Blog dedicado principalmente a los estudiantes de la I.E.D Santa Bernardita (Barranquilla, Colombia)para fomentar el crecimiento personal, visto desde la disciplina formativa del desarrollo de los sentidos, las expresiones artísticas el uso de las TIC´s y el enfoque sociohumanísta.
Una de las fechas más agradables del mes de Septiembre es el día del amor y la amistad, ya que a todos nos gusta recibir y dar detalles como muestra de cariño. A continuación se muestran imágenes y vídeos tomados de la red con fines educativos, para que los estudiantes puedan hacer sus propios empaques de manera creativa y reutilizando materiales que algunas veces tienen en casa. Los niños de Sexto grado deben llevar a la escuela los materiales de la cajita que escojan.
También es posible que sean los mismos estudiantes quienes descubran otras posibilidades y puedan crear hermosos diseños. ¡A TRABAJAR! -
En la IED SANTA BERNARDITA queremos que nuestros niños, niñas y jóvenes tengan una cultura del cuidado de su cuerpo y sepan protegerse ante cualquier tipo de abuso contra ellos, por ello las directivas, el área de orientación escolar y los docentes participamos en esta significativa campaña.
A continuación les presento algunos videos e imágenes tomados de la red para ilustrar llaveros que sirvan como identificadores de la formación.
El desarrollo de las habilidades artísticas en la infancia y en la adolescencia garantizan una sana convivencia; el arte en cualquiera de sus expresiones (música, danza, literatura, teatro, pintura) es una habilidad que incorpora una buena coordinación y disciplina; permite el desarrollo de competencias e inhibe conductas ociosas o perjudiciales para la salud física y psíquica del niño en un futuro. Tomado de: https://es.scribd.com/document/201927434/La-importancia-de-la-educacion-artistica-en-el-desarrollo-infantil.Con fines educativos
El taller que se presenta a continuación va enfocado a la práctica de algunas actividades importantes en el desarrollo sensomotríz de los jóvenes, La actividad consiste en practicar los ejercicios propuestos, a la escuela deben llevar constancias de los mismos en la semana siguiente a la entrada de descanso, Inicia el día 8 de Julio y termina el día 12 de Julio de 2019. También en esa fecha pueden solicitar asesoría para solucionar inquietudes y refuerzos. ACTIVIDAD 1. Afianzar conceptos
Los temas a trabajar en el área están relacionados con el dibujo
de la figura humana sin y con movimiento teniendo en cuenta las relaciones
proporcionales establecidas en el arte. Dibujar un cuerpo humano, implica
conocer perfectamente las proporciones de la figura humana. La figura humana
está influenciada por las leyes de la perspectiva, con el fin de
plasmar en papel las proporciones adecuadas. Para poder representar y
determinar las proporciones de la figura humana, utilizaremos los
cánones del cuerpo humano.
Canon, significa regla y es de origen
griego. Mediante fórmulas matemáticas se establece las proporciones
ideales del cuerpo humano; el cual se divide en partes llamadas módulos. Ya lo
usaban los egipcios para establecer las medidas perfectas de la figura.
El griego Policleto fue el
precursor del término y estableció las proporciones ideales usando la
medida básica llamada módulo, y así creó el canon de 7 cabezas basado
en que la altura de una persona son 7 veces la altura de la cabeza.
El pintor Miguel
Ángel usó el canon de 7,5 cabezas, siendo actualmente la figura común y
Leonardo Da Vinci; el canon de 8 cabezas, usado para figuras heroicas.
Los cánones del cuerpo humano nos
sirven para poder dibujar una figura humana adecuadamente. Así para
comenzar un figurín, empezaremos por la cabeza; tomándola como
referencia para el tamaño del resto del cuerpo.
Los cánones nos ayudan
a colocar adecuadamente zonas del cuerpo en nuestro boceto;
por ejemplo el pubis se sitúa en el centro de la figura sin
importar su altura. Así la anchura de las sienes establece lo ancho de
los hombros, el muslo tiene la misma longitud que las piernas, los brazos
llegan hasta la cintura, el antebrazo tiene el mismo tamaño que el brazo o la
muñeca llega hasta el pubis. Por tanto, los cánones son guías
que nos ayudan a la hora de hacer un boceto de un figurín.
Por último, vamos a nombrar los 3
cánones que existen actualmente:
Canon de 7 cabezas y media que corresponde a la figura común.
Canon de 8 cabezas, corresponde con la figura ideal. Usado por
escultores y pintores.
Canon de 8 cabezas y media, usado en cómics y figurines.
Se debe realizar las DOS (2) FIGURAS QUE APARECEN DE MUESTRA (femenina y masculina) de frente, entregar en tamaño de un octavo de Cartulina Bristol (una por
cada octavo) preferiblemente blanca y debidamente marcadas con: Nombre
del Estudiante y Grado que cursa.
ACTIVIDAD 2.
DIBUJAR UN SUPERHÉROE O UNA SUPERHEROÍNA
El dibujo de superhéroe no es muy diferente al de las personas normales, sólo se cambia el numero de cabezas el cual pasa a ser de 8 a 9, y se exageran los músculos para dar apariencia de fortaleza. a continuación unos ejemplos:
Ahora las chicas
Se debe realizar UNA (1) FIGURA DE HÉROE (femenina o masculina) con la técnica del LÁPIZ DE COLOR, entregar en tamaño de un octavo de Cartulina Bristol preferiblemente blanca y debidamente marcada con: Nombre del Estudiante y Grado que cursa.
ACTIVIDAD 3.
Dibujar un Rostro.
Ingresar al link https://es.wikihow.com/dibujar-carasrevisar la información que allí se encuentra y realizar UN (1) ROSTRO (femenino o masculino) con la técnica del LÁPIZ DE COLOR, entregar en tamaño de un octavo de Cartulina Bristol preferiblemente blanca y debidamente marcada con: Nombre del Estudiante y Grado que cursa.
O puedes copiar y pegar esta dirección en un navegador:
https://etickarte.blogspot.com/2018/07/plan-de-mejoramiento-9-grado-artistica.html Deben ser entregadas al regresar a la escuela, durante la semana del 8 al 12 de Julio de 2019.
¿Qué representa
esta tela? […] ¿Impresión? Impresión, estoy seguro; puesto que me siento
impresionado, debe haber cierta impresión ahí dentro…! […]
¡El papel pintado… está aún más acabado que esta marina!
.
Esta cita, tan poco afortunada, extraída del artículo Exposición
de los impresionistas fue publicada el 25 de abril de 1874
en Le Charivari. La firmó Louis Leroy, un pintor,
grabador además de dramaturgo y periodista cuya gloria precisamente le viene de
estas palabras, que lejos de herir y ridiculizar, sirvieron para bautizar una
nueva manera de concebir la pintura, un nuevo estilo. Con ellas se ponía nombre
al Impresionismo, el primero de los movimientos de vanguardia
que surgen a mediados del siglo XIX y que supone, como toda vanguardia, una
reacción, una ruptura con la manera de hacer tradicional. El cuadro en
cuestión, ese que tanto «había impresionado» al poco visionario Louis
Leroy, era Impresión, sol naciente de Claude
Monet
Impresión, sol naciente. Claude Monet
(1873)
La verdad es que
las novedad que presenta la obra, mirándola desde el prisma academicista de la
época, son muchas, por lo que no debe extrañarnos la reacción del crítico.
Demasiadas convenciones artísticas habían sido transgredidas, para que la
respuesta fuera moderada. Parece que se confirma un curioso axioma: a mayor
poder de innovación y libertad, mayor y más feroz crítica, que en el futuro se
demostrará equivocada.
EL INSTANTE
Cuanto más viejo me hago más cuenta me doy de que hay que trabajar
mucho para reproducir lo que busco: lo instantáneo. La
influencia de la atmósfera sobre las cosas y la luz esparcida por todas
partes
Claude Monet
.
Probablemente, lo primero que llamó la atención de este buen señor es
que el cuadro a sus ojos no era más que un esbozo realizado con unas pinceladas
muy sueltas, tanto que si lo miraba de cerca nada estaba
definido. Monet no tenía ningún interés de dedicar su tiempo a plasmar
con exactitud el detalle, de ahí que en Impresión, sol
naciente las barcas sean representadas como simple manchas negras
y los fondos industriales del puerto de Le Havre están
resueltos con nerviosos trazos grises. La búsqueda de Monet se
concentra en otra realidad y para darnos cuenta de ello
debemos alejarnos del cuadro. Al hacerlo esas manchas, esas pinceladas
sueltas irán tomando cuerpo y dando forma a un todo unitario que capta
un instante, un fugaz momento de la realidad: ese segundo en el que la luz del
sol se refleja de esa precisa manera sobre el agua. Más que el
detalle, captamos el movimiento y la inexactitud de nuestra percepción en el
tiempo.
Monet no tiene ninguna intención de ser preciso con los objetos lo
que realmente le interesa es captar la impresión que ello ha provocado en
su retina. De ahí que la luz sea la gran protagonista del cuadro. Esa
luz del amanecer tomada desde el momento en que sale el sol tras la neblina de
la mañana.
CAPTACIÓN DE LA LUZ
Intentar
captar la manera en que la luz incide sobre el paisaje se
va a convertir en una obsesión para Monet. Hasta el punto que le
veremos pintar un mismo cuadro una y otra vez, desde el mismo sitio, desde
mismo ángulo… lo que cambia es el momento del día en que va a ser pintado para
así poder captar los cambios que la luz ejerce sobre esas representaciones.
Entre 1892 y
1894 Monet alquila uno de los balcones que dan a la fachada
occidental de la catedral de Rouen. Allí durante dos años
-primeramente desde un balcón del segundo piso del nº 23 de la Plaza de la
catedral, más tarde desde el número 81 de la rue Grand-Pont- se dedicó a pintar
la misma vista una y otra vez, mostrándonos en 31 lienzos la manera en que las variaciones climáticas, atmosféricas y
luminosas influían en un objeto. La piedra de la catedral se teñirá
de suaves azules en los lienzos creados por la mañana; ocres y dorados
en aquellos que están pintados a pleno sol o castaños y grises en los
días nublados. Pero la catedral, el objeto en sí, a pesar a su magnificencia y
belleza dejará de tener importancia.
Para Monet la
catedral no va a ser más que un fondo, una excusa, para mostrar al
auténtico protagonista de la composición: la capacidad de la pintura de
representar la cualidad dinámica de la luz y el ambiente, que es capaz de
dar vida
a algo tan pétreo e inanimado como la imponente fachada de la catedral
gótica.
No era, ni sería la
última vez que Monetdedica todos sus esfuerzo a
representar un mismo motivo pictórico en distintos momentos para observar los
cambios causados por la luz natural. Entre 1890 y 1891 llevó a cabo
una serie de 15 lienzos representando unos almiares en las afueras de su
amado Giverny. Nuevamente el mismo objeto se representaba en
diferentes momentos y condiciones: a pleno sol, al amanecer o en el ocaso, a
finales del verano, en pleno invierno o en el deshielo.
Una serie que
impresionó de tal manera a Wassily Kandinsky, que éste le confirió el
honor de ser la primera obra abstracta de la pintura:
«Y de pronto, por
primera vez, vi un cuadro. Leí en el catálogo que se trataba de un montón de heno, pero yo no podía reconocerlo (.) Me di cuenta de que faltaba el objeto del cuadro (.) Lo que tenía perfectamente presente era la insospechada y hasta entonces oculta fuerza de la paleta»
PINTAMOS AL NATURAL
Esta obsesión por captar el instante, por recoger la manera determinada
en que la luz influye en el ambiente hace que los impresionistas dejen el
taller para salir afuera y pintar á plein air (al aire libre). Un cambio que es
posible gracias a:
·La comercialización de productos y complementos de
pintura que facilita a los pintores salir del estudio pues el transporte
de todos los utensilios necesarios para llevar a cabo la tarea de pintar se
vuelve mucho más sencillo. Sin los avances en la fabricación industrial de
tubos de colores, pinceles, lienzos, caballetes con patas telescópicas y caja
para portar pinturas hubiera sido imposible pintar á plein air. Como dijo Renoir:
Los tubos de
colores al óleo, fácilmente transportables, nos permitieron pintar del natural.
Sin tubos… no hubiese habido Impresionismo.
·Los artistas van a ser libres a la hora de elegir
sus temas. Ya no tiene que pintar para esa institución que les da de comer.
Los encargos dejan de marcar el tema para ser el artistas el que tiene la
capacidad total de elegir que quiere llevar al lienzo convirtiéndose el paisaje
sea del tipo que sea en el tema preferido.
El pintor impresionista sale al
encuentro de la naturaleza y de la luz natural. Hasta mediados de siglo, los
pintores trabajaban en su taller; iluminando con una luz de interior sus
modelos; imaginando escenas de acontecimientos del pasado o mitológicos. Si
tomaban un motivo directamente de la naturaleza, hacían un boceto rápido y lo
pasaban a la tela en su estudio. El primer paso hacia un contacto directo con
la naturaleza lo darán los paisajistas ingleses y en ese contacto descubren lo
cambiante que es la naturaleza; las variaciones de la luz con el correr de las
horas; lo momentáneo y pasajero de una escena y la posibilidad de captar ese
momento en la tela.
Los impresionistas dejan de lado todo
motivo del pasado, todo tema trascendente; su inspiración está en cualquier
tipo de modelo real y existente. El pintor y la realidad, frente a frente, a la
luz del día.
GYVERNY
Pero para Monet hay
un paisaje preferido y ese está en Normandía, en concreto en Gyverny,
un pequeño pueblo de apenas 300 habitantes que llamó la antención de Monet con
cuarenta y tres años y en el que fijaría su residencia, junto a sus hijos y su
futura esposa, hasta su muerte cuarenta y tres años después.
Allí en principio
de alquiler y, cuando la economía mejora gracias a la venta de sus cuadros, como
propietario vive en la casa de monsieur Singeot. Pronto comienza a
cultivar un maravilloso jardínlleno de plantas exóticas que
trae de diferentes lugares del mundo que convertirá, con bastante
oposición por parte de sus vecinos quienes creen que las nuevas especies
envenenarán a sus animales, en su gran musa, en la fuente de
inspiración de sus mejores obras.
Es en ese jardín donde tras muchos y
complicados requisitos administrativos, consiguió montar un estanque asimétrico
y exótico, desviando el curso del río Epte. Fascinado por el arte de Japón allí
mandó construir un puente que atraviesa dicho estanque. ¿Os suena?
A continuación dejo dos vídeos. El primero es perfecto para presentar la figura de Monet y nace a partir de Linnea
en el jardín de Monet, un libro publicado en castellano por Serres que
tratan de acercar el arte a los más pequeños de una manera diferente.
Bastante menos interesante el segundo vídeo, pero muestra este maravilloso lugar que tanto inspiró a Claude Monet. y otro con él mismo dibujando en su jardín.
En esta oportunidad les coloco unas muestras tomadas de la página de Pinterest.com en donde encuentran muchísimas más inspiraciones para hacer un bonito trabajo en el tiempo libre.
Los Materiales Son:
Tablas de madera.
Piedras Chinas de varios tamaños.
Vinilos, pinturas acrílicas o pinta uñas.
Pegante resistente.
Material plástico complementario: telas, papeles, accesorios.
MUUUCHA IMAGINACIÓN Y CREATIVIDAD.
Estimados estudiantes, en esta entrada van a encontrar los ejercicios que se trabajarán como refuerzo de los temas vistos en clase. EJERCICIOS SOBRE EL COLOR Actividad 1
Realiza con temperas el círculo cromático. Traza tres circunferencias, una de tres,,una de cinco y otra de 8 cm de radio y divídela en 6 partes iguales, colorea tres divisiones alternas con los colores primarios, rellena los espacios vacíos con los colores obtenidos al mezclar dos primarios. (1 Actividad)
Actividad 2
Al igual que en el ejemplo, mezcla un primario con negro, otro con blanco y otro con cualquiera de los otros dos primarios. Obtén la mayor cantidad de tonos posible. (1 Actividad)
Actividad 3
Composición de colores fríos y cálidos. (1 Actividad)
